Arsenevich: diciembre 2009

31 diciembre 2009

Ritwik Ghatak - Jukti, Takko Aar Gappo (1974)

Razón, debate, y una historia

Ültima película de Ritwik Ghatak (hecha dos años antes de su prematura muerte), protagonizada por Ghatak en el papel de Nilkantha Bagchi (el nombre es elegido deliberadamente para establecer un paralelismo entre la garganta azul de Lord Shiva, después de haber tragado todos los venenos del mundo durante los agitación del océano, y el personaje de la película), un intelectual alcohólico llegando al final de su vida que viaja a través de Bengala, penetrando profundamente en la trama de su vida pasada, amores y amistades. Se trata de un auto retrato no tan velado del propio director.

Con Nilkantha viajan una refugiada bengalí, un escritor que antes era respetado y que ahora es un fracasado, un sindicalista desempleado, y un profesor de sánscrito sin un centavo. Los encuentros y aventuras que acontecen durante el penoso viaje de los peregrinos expresan la desilusión del director con la política organizada y la pérdida de su antigua fe inquebrantable.

DVD rip de Zenkoan (KG)
Subtítulos en castellano de aparajito (AZ-DXC)

Reason, Debate and a Story

Ritwik Ghatak’s final film (made two years before his untimely death) features Ghatak himself in the role of Nilkantha Bagchi (the name is deliberately chosen to draw parallels between Lord Shiva’s blue throat after having swallowed all the poisons-of-the-world during the churning of the ocean and the character in the film), an alcoholic intellectual nearing the end of his life who journeys forth through Bengal, deep into the fabric of his past life, loves, and friendships. It is a not-so-veiled self-portrait of the director himself.

With Nilkantha travel a Bengali woman refugee, a once-respected writer who is now a literary hack, an unemployed trade unionist, and a penniless teacher of Sanskrit. The encounters and adventures that transpire during the pilgrims’ painful progress express the director’s disillusionment with organized politics and the loss of his bedrock faith in even the everyday politics of experience.

Con esta hermosa película despedimos el año en Arsenevich

¡Gracias a todos los que nos visitan, y muchas más gracias
por las constantes palabras de aliento!

Nuevos enlaces, gracias al infatigable chicharro.

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Ritwik Ghatak en Arsenevich

Meghe Dhaka Tara
Subarnarekha
Titash Ekti Nadir Naam
Ajantrik

30 diciembre 2009

Pier Paolo Pasolini - La Rabbia (1963)

Italiano I Subs: Castellano( incrustados-hard-coded)//English srt
51 min I Xvid 608x480 I 1628 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 25 fps

642 MB + 3% de recuperaciòn/recovery

La Rabbia es un filme de remontaje que Pasolini realizó a partir de 90.000 metros de material de noticiarios cinematográficos. «Un ensayo más que una historia», dice el propio Pasolini, «con mis razones políticas y con mi sentimiento poético» sobre el miedo, la rabia y la angustia, sobre el mundo antiguo y el mundo futuro, sobre la bella Marilyn y sobre el milagro económico, con la voz de poesía de Giorgio Bassani y la voz de prosa de Renato Guttuso. A pesar de que el filme está considerado una obra maestra, durante el montaje, el productor, temeroso de la polémica, decidió transformar la película en un díptico, añadiendo al mundo visto desde la izquierda (Pasolini) el contrapunto de una visión desde la derecha (Guareschi).

Si digo que era un ángel, creo que no se podría decir nada más estúpido de él. ¿Un ángel pintado por Cosimo Tura? No. ¡Hay un San Jorge de Tura que es su vivo retrato! Le horrorizaban los santos oficiales y los ángeles beatíficos. Entonces, ¿por qué decirlo? Porque su habitual e inmensa tristeza le permitía compartir bromas, y la expresión de su rostro afligido repartía carcajadas adivinando quién las necesitaba más. Y cuanto más íntimo era su contacto, más lúcido se volvía. Podía hablarle a la gente con suaves susurros sobre las cosas terribles que le pasaban y, en cierta manera, sufría un poco menos. "... porque nuestra desesperación nunca está exenta de un poquito de esperanza". "Disperazione senza un po di speranza". Pier Paolo Pasolini (1922-1975).Creo que dudaba mucho sobre sí mismo, pero nunca de su don profético, que quizá fuera lo único de lo que le habría gustado dudar. Sin embargo, al ser profético, viene en nuestra ayuda para interpretar nuestras vivencias actuales. Acabo de ver una película de 1963. Es asombroso que nunca se distribuyera. Llega como un mensaje providencial que, cuarenta años después, es arrastrado a nuestra playa dentro de una botella.En 1962 la televisión italiana tuvo una brillante idea: la de invitar a un director de cine a responder a la pregunta: ¿por qué en todo el mundo se teme a la guerra? El director tendría acceso a los archivos de los informativos televisivos del periodo 1945-1962 y podría editar el material que quisiera y redactar un comentario para acompañarlo. El programa sería de una hora. La pregunta era "candente" porque, en ese momento, el miedo a otra guerra mundial cundía realmente por doquier. La crisis de los misiles nucleares entre Cuba, Estados Unidos y la URSS había tenido lugar en octubre de 1962.La televisión preguntó a Pasolini, que ya había realizado Accattone, Mamma Roma y La ricotta, y que era una figura polémica habitual en los titulares. Y éste aceptó. Rodó la película y la tituló La rabbia [La rabia].Cuando los productores la vieron, les entró miedo e insistieron en que otro director, el periodista Giovanni Guareschi, bien conocido por sus ideas derechistas, hiciera una segunda parte y que ambas películas se presentaran como si fueran una sola. Al final, ninguna de las dos se emitió.Yo diría que La rabbia no se inspira en la cólera, sino en un feroz sentido del aguante. Pasolini observa lo que ocurre en el mundo con una lucidez inquebrantable. (Hay ángeles dibujados por Rembrandt que tienen la misma mirada). Y lo hace porque la realidad es lo único que podemos amar. No hay nada más.Su rechazo de las hipocresías, medias verdades y falsedades de los codiciosos y los poderosos es total, porque alimentan y fomentan la ignorancia, que es una forma de ceguera frente a la realidad. También porque profanan la memoria, incluso la memoria del propio lenguaje, que es nuestro principal patrimonio.Sin embargo, la realidad que amaba no podía asumirse sin más, porque en ese momento representaba una decepción histórica demasiado profunda. Las antiguas esperanzas que florecieron y se ampliaron en 1945, después de la derrota del fascismo, habían sido traicionadas.La URSS había invadido Hungría. Francia había iniciado su guerra cobarde contra Argelia. El acceso a la independencia de las antiguas colonias africanas era una farsa macabra. Lumumba había sido liquidado por los títeres de la CIA. El neocapitalismo ya estaba planificando su toma del poder mundial.Sin embargo, pese a todo, lo que se nos había legado era demasiado precioso y demasiado problemático como para abandonarlo. O, dicho de otra manera, era imposible dejar a un lado las tácitas y ubicuas exigencias de la realidad. La exigencia que había en la forma de llevar un chal. En el rostro de un muchacho. En una calle llena de gente exigiendo menos injusticia. En la carcajada de sus expectativas y en la temeridad de sus bromas. De ahí surgía su cólera frente al aguante.La respuesta de Pasolini a la pregunta planteada inicialmente era sencilla: la lucha de clases explica la guerra.El filme termina con un soliloquio imaginario de Gagarin, que, después de observar la Tierra desde el espacio exterior, comenta que todos los hombres, vistos desde esa distancia, son hermanos que deberían abjurar de las sangrientas prácticas del planeta.Sin embargo, lo esencial es que la película contempla experiencias que tanto la pregunta como la respuesta dejan de lado. La frialdad del invierno para los indigentes. La calidez que el recuerdo de los héroes revolucionarios puede reportar, el carácter irreconciliable de la libertad y del odio, el aire campesino del papa Juan XXIII, cuya mirada sonríe como una tortuga, las culpas de Stalin, que eran las nuestras, la diabólica tentación de pensar que las luchas han terminado, la muerte de Marilyn Monroe y la belleza, que es lo único que queda de la estupidez del pasado y el salvajismo del futuro, la naturaleza y la riqueza, que son la misma cosa para las clases pudientes, nuestras madres y sus lágrimas hereditarias, los hijos de los hijos de los hijos, las injusticias que surgen incluso de una noble victoria, el pequeño pánico en los ojos de Sofía Loren al observar a un pescador abrir con las manos una anguila en canal...ponen a la filmación en blanco y negro los hacen dos voces anónimas, que en realidad son las de dos amigos suyos: el pintor Renato Guttuso y el escritor Giorgio Bassani. Una es como la voz de un comentarista apresurado y la otra como la de alguien medio historiador y medio poeta, la voz de un adivino. Entre las principales noticias figuran la revolución húngara de 1956, la candidatura de Eisenhower para una segunda legislatura como presidente de Estados Unidos, la coronación de la reina Isabel de Inglaterra o la victoria de Castro en Cuba.La primera voz nos informa y la segunda nos recuerda. ¿El qué? No exactamente lo olvidado (es más astuta), sino más bien lo que hemos decidido olvidar, y con frecuencia esas decisiones comienzan en la infancia. Pasolini no olvidó nada de su infancia: de ahí que en su búsqueda coexistan siempre el dolor y la diversión. Se nos avergüenza por nuestro olvido.Las dos voces funcionan como un coro griego. No pueden influir en el resultado de lo que se nos muestra. No interpretan. Cuestionan, escuchan, observan y dan voz a lo que el espectador puede estar sintiendo, con más o menos incapacidad para expresarlo. Y lo logran porque son conscientes de que el lenguaje, al compartirlo los actores, el coro y los espectadores, es el depositario de una antiquísima experiencia común. El propio lenguaje es cómplice de nuestras reacciones. No se le puede engañar. Las voces se alzan, no para rematar un argumento, sino porque, dada la longitud de la experiencia y el dolor humanos, sería vergonzoso que no dijeran lo que tienen que decir. Si no se dijera, nuestra capacidad para ser humanos se vería algo reducida.En la Grecia antigua el coro no se componía de actores, sino de ciudadanos varones, elegidos para ese año por el director del coro, el choregus. Representaban a la ciudad, venían del ágora, del foro. Sin embargo, al ser el coro se convertían en las voces de varias generaciones. Cuando hablaban de lo que el público ya había reconocido, eran abuelos. Cuando daban voz a lo que el público sentía pero había sido incapaz de expresar, eran los no nacidos.Todo esto lo hace Pasolini sin ayuda de nadie por medio de sus dos voces, mientras aprieta el paso rabioso entre el mundo antiguo, que desaparecerá con el último campesino, y el mundo futuro del cálculo feroz.En varias ocasiones el filme nos recuerda los límites de la explicación racional y la frecuente vulgaridad de términos como optimismo y pesimismo.Anuncia que los mejores cerebros de Europa y de Estados Unidos explican teóricamente lo que significa morir (luchar junto a Castro) en Cuba. Pero lo que realmente significa morir en Cuba -o en Nápoles o en Sevilla- sólo puede decirse con compasión, a la luz del canto o las lágrimas.¡En otro momento nos propone a todos que soñemos con el derecho a ser como eran algunos de nuestros antepasados! Y después añade que sólo la revolución puede salvar el pasado.La rabbia es una película sobre el amor. Su espíritu está muy cerca del comentario que hace Simone Weil en La pesanteur et la grace de Simone Weil: "Amar a Dios más allá de la destrucción de Troya y Cartago, y sin consuelo. El amor no es consuelo, es luz".O, por decirlo de otro modo, su lucidez es como la del aforismo de Kafka: "En cierto sentido, el Bien es inconsolable".Por eso digo que Pasolini era como un ángel.La película sólo dura una hora,una hora ideada, medida y editada hace cuarenta años. Y contrasta tanto con los noticiarios que vemos y con la información que nos ceban en la actualidad que, al terminar la hora, te dices que hoy en día no sólo están desapareciendo y extinguiéndose especies animales y vegetales, sino prioridades humanas que, una tras otra, están siendo sistemáticamente rociadas, no de pesticidas, sino de eticidas: agentes que matan la ética y, por consiguiente, cualquier idea de historia y de justicia.Especialmente atacadas se ven aquellas de nuestras prioridades que proceden de la necesidad humana de compartir, legar, consolar, condolerse y tener esperanza. Y los medios informativos de masas nos rocían día y noche con eticidas.Puede que los eticidas sean menos efectivos, menos rápidos de lo que los controladores esperaban, pero sí que han logrado enterrar y esconder el espacio imaginario que cualquier foro público central representa y precisa (nuestros foros están por todas partes, pero, por el momento, son marginales). Y Pasolini, en el erial de los foros ocultos (que recuerdan al páramo en el que fue asesinado por los fascistas), se une a nosotros con su Rabbia y su duradero ejemplo de cómo llevar el coro en la cabeza. (John Berger, El coro que llevamos en la cabeza )

La Rabbia is a film that Pasolini made winding from 90,000 meters of material newsreels. "A trial rather than a story, Pasolini himself says," my political reasons and my poetic feeling "about the fear, anger and anxiety, about the ancient world and the future world on the beautiful Marilyn and the economic miracle, with the voice of Giorgio Bassani's poetry and prose the voice of Renato Guttuso. Although the film is considered a masterpiece, during assembly, the producer, fearing the controversy, decided to turn the movie into a diptych, adding the world as seen from the left (Pasolini) the counterpoint of a view from the right (Guareschi).

"Sólo importa el amar, el conocer, no el haber amado, no el haber conocido." Pier Paolo Pasolini

Nuevos-nuevos nuevos enlaces, cortesía de Ana

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-o-

Pier Paolo Pasolini en Arsenevich

Il Vangelo secondo Matteo
Accattone

Le Mura di Sana'a

27 diciembre 2009

Maurice Pialat - Police (1985)

El lenguaraz y violento inspector Mangin (Gérard Depardieu) trata de desarticular una red de narcotraficantes dirigida por un clan de hermanos magrebíes que opera con cocaína en Marsella. Muy pronto la investigación hará comparecer a la bella Noria (Sophie Marceau), implicada en el caso y casada con uno de los dirigentes de la banda. Cuando su marido es detenido y encarcelado, Mangin tratará de hacerla confesar, pero muy pronto acabará siendo su cómplice y salvaguarda, y compartirá con ella su soterrada ternura. Deslumbrante polar de Maurice Pialat que consigue con un registro seco y abrupto un bello y desolador retrato del insepctor Mangin, interpretado por un Gérard Depardieu en sus mejores momentos. (mysofa)

DVD rip mío

This strange crime-cum-romance story starts out with the ordinary work-a-day life of Mangin, an apparently straight-and-narrow cop (Gerard Depardieu), and then segues into a love story after he meets Noria, a beautiful Arab woman (Sophie Marceau) who has just been arrested during a drug raid. Mangin grills her, but his buddy, a lawyer of dubious ethics named Lambert (Richard Anconina), gets the woman released. Enamored almost from the beginning, Mangin begins to pursue Noria and soon finds himself faced with making the ethical decision to arrest her -- or not.

L’inspecteur Mangin (Gérard Depardieu) enquête sur un trafic de drogue dans le quartier de Belleville, à Paris. Il arrête un suspect, en compagnie de sa compagne, Noria (Sophie Marceau). D’abord soupçonnée de complicité, elle est rapidement libérée. Plus tard, Mangin et Noria se croisent à nouveau et entament une relation amoureuse. Mais la jeune femme a dérobé de l’argent à l’entourage de son ex-petit ami, désormais en prison...

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Maurice Pialat en Arsenevich

À nos amours
Nous ne vieillirons pas ensemble
Loulou

25 diciembre 2009

Wojciech Has - Sanatorium pod klepsydra (1973)

El Sanatorio de la Clepsidra

Poco antes de la 2ª Guerra Mundial, un joven se encuentra en un extraño tren donde viaja hasta un sanatorio para visitar a su padre enfermo. Durante el viaje, experimenta extrañas visiones de muerte y surrealismo que lo confunden y lo apartan de la realidad. Cuando llega al sanatorio, descubre que el lugar está invadido por una extraña atmósfera de locura donde macabras figuras, luces y sombras, lo introducen en un mundo donde se mezcla el pasado, el presente y el futuro, en un amalgama de muerte y apocalípsis.

DVD rip de cardinal (KG)

The Hour-Glass Sanatorium

The film presents a poetic, visually refined journey through the convolutions of time as experienced by the protagonist, Joseph (Jan Nowicki). The young Joseph finds himself travelling through a dream-like world, taking a dilapidated train to visit his dying father in a sanatorium. When he arrives at the hospital, he finds the entire facility is going to ruin and no one seems to be in charge, or even caring for the patients. Time appears to behave in unpredictable ways, reanimating the past in an elaborated artificial caprice.

La Clepsydre

Jozef vient voir son père en traitement dans un sanatorium, où le docteur Gotard entretient une très mystérieuse atmosphère. Une porte allégorique garde l'entrée du sanatorium; dès qu'on la franchit, on pénètre dans le monde de la fantaisie, issu du subconscient. Prix spécial du jury au Festival de Cannes 1973.

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Wojciech Has en Arsenevich

Rekopis znaleziony w Saragossie

21 diciembre 2009

Sam Peckinpah - Pat Garrett and Billy the Kid (1973)

Versión Turner Library de 1988

La versión restaurada, en su edición y longitud originales, luego de que la Metro la mutilara para su estreno, ha dado a conocer a uno de los mejores westerns de los años setenta; y el responsable de esto, Sam Peckinpah, era un gran cineasta. Biografía doble de los amigos, que luego se vuelven enemigos y rivales: Pat Garrett y Billy the Kid. La película recrea la violenta vida en Nuevo México al inicio de la década de 1880 y celebra a los héroes, tomando como pretexto esta historia, que ha sido filmada muchas veces, y que podría ser la mejor versión sobre los dos personajes solitarios que se volvieron leyendas del oeste de los Estados Unidos. (Nazario Sepúlveda)

1988 Turner Library version

On the surface, a film about the doomed friendship between the two title characters, Pat Garrett and Billy the Kid is really a film about the death of a way of American life. Death is omni-present in this film, and the compelling aspect of it is that so many of the characters are completely prepared to accept it and deal it out. The best and saddest moments in the film involve characters who know they are going to die and accept it. And the performances are all remarkable. Kristofferson's easygoing and charismatic portrayal of Billy is the best work of his career, as is Coburn's sad-eyed interpretation of Pat Garrett. A wonderful film, almost as good as Peckinpah's masterpiece The Wild Bunch.

En 1881, Pat Garrett (James Coburn), devenu shérif, est chargé par les autorités de faire arrêter et condamner à la pendaison son ami et ancien complice Billy The Kid (Kris Kristofferson), hors la loi notoire. Quand celui-ci s’évade de prison après avoir tué un adjoint du shérif, Pat Garrett, sur ordre du gouverneur Wallace (Jason Robards, qui interprète notamment Le Cheyenne dans Il était une fois dans l’Ouest), se lance à sa poursuite.

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Sam Peckinpah en Arsenevich

The Deadly Companions

Ride the High Country
The Getaway
Straw Dogs

The Ballad of Cable Hogue

Bring me the Head of Alfredo Garcia

19 diciembre 2009

Philippe Garrel - Le Lit de la vierge (1969)

La Virgen María da a luz a un Jesús ya adulto que desde el primer momento se encuentra a disgusto en la Tierra y clama al cielo tratando de que su Padre atienda sus quejas. A lomos de un burro, Jesús emprende sin ninguna convicción su camino para, con la ayuda de un megáfono, tratar de difundir su mensaje en un mundo permanentemente hostil que no quiere escucharlo. (F.A.)

A 30 year old child enters the new city, riding on a donkey. He says he is the Savior. He has spent no time among men. He is trembling with cold. His clothes are soaked. His mother was overprotective ; his father conspicuously absent. He knows that he must face the mockery, refusal, ignorance and blindness of the men around him. They travel in gangs, in large numbers : soldiers, mercenaries or the like, on majestic, imposing horses. Everything is out of proportion to his thin, bewildered, innocent body ; he is the madman of the new city...

Marie demande à son fils, Jésus, d'aller prêcher la bonne parole. Ne pouvant dialoguer qu'avec une prostituée, il tue sa mère et part en emportant une caisse contenant la répression et la torture, avant de disparaître dans les flots.

Tourné au lendemain de mai 68, sans scénario et sous l’influence de stupéfiants, Le Lit de la Vierge, le cinquième film de Philippe Garrel, reprend en de longs plans séquences la trame de l’Évangile mettant en scène un Christ douloureux refusant la volonté de son Père. Il s’agit d’un film désormais incontournable dans l’histoire du cinéma d’avant-garde.

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Philippe Garrel en Arsenevich

La frontière de l'aube

Un été brûlant

La naissance de l'amour

Le coeur fantôme

Liberté, la nuit

Les amants réguliers

Le Vent de la nuit

15 diciembre 2009

Jacques Rivette - Secret défense (1998)

Confidencial

Sylvie Rousseau (Sandrine Bonnaire), investigadora en búsqueda de una terapia contra el cáncer, descubre, por intermediación de su hermano, que su padre no murió en un accidente sino que fue víctima de un asesinato presuntamente cometido por Walser (Jerzy Radziwilowicz), el hombre que heredó la dirección de la empresa de sistemas de defensa que dirigía el progenitor. Para evitar la determinación vengadora de su hermano, Sylvie se lanza ella misma, convertida en una moderna Electra, a la búsqueda de la verdad y a la consumación de una venganza que la sumergirá en los oscuros territorios de una sórdida y trágica trama familiar.

Top Secret

A female scientist discovers that her brother is about to seek revenge against the family friend who killed their father. She takes his place and his gun and sets out to do the same. Unfortunately she kills the wrong person and discovers the real truth behind her father's death.

Alors qu'elle travaille tard au laboratoire, Sylvie surprend son jeune frère Paul, une arme à la main. Il lui explique qu'il vient de découvrir les vraies raisons de la mort de leur père. Celui-ci ne se serait pas suicidé comme on le prétend: son associé Walser l'aurait assassiné et il en a les preuves. Inquiète de la détermination de son frère et de sa fragilité, Sylvie décide de prendre les choses en main...

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Jacques Rivette en Arsenevich

Paris nous appartient
Haut bas fragile

La Religieuse

Noroît

Le Pont du Nord

La Belle Noiseuse

11 diciembre 2009

Serge Bourguignon - Les dimanches de Ville d'Avray (1962)

Sibila

Pierre es un veterano de Vietnam angustiado por su responsabilidad en la muerte accidental de una niña vietnamita como consecuencia de un aterrizaje forzoso. De vuelta en Francia, vive totalmente aislado hasta que encuentra una niña que ha sido abandonada por su padre en un internado. Fingiendo ser el padre, Pierre se encuentra con la niña todos los domingos para jugar con ella y tal vez recuperar su propia memoria. La amistad despierta sospechas en el pueblo, aún entre las personas que conocen bien a Pierre.

After killing a child on a routine bombing mission in Vietnam, Pierre suffers from delayed stress and partial amnesia. Returning to France, he lives like a vegetable until he meets a young girl who has been dumped by her father at a boarding school. Posing as her father, Pierre contrives to meet the girl every Sunday, to play with her and perhaps recover his memory. The innocent friendship is misread by nearly everyone, even people who know Pierre well.

Devenu amnésique à la suite d'un accident d'avion en Indochine, Pierre a été soigné et recueilli par son infirmière, Madeleine, qui s'est attachée à lui et lui a consacré toute sa vie et sa tendresse de femme seule. Lui qui vit dans un monde à part, sans souvenirs et sans conscience précise, recevra un jour un choc émotif violent, devant une petite fille qui pleure dans la gare de Ville d'Avray. Une surimpression se fait alors dans sa mémoire défaillante, avec le visage d'une autre enfant, défigurée par la peur, qu'il a sans doute tuée dans le bombardement en piqué où il a autrefois failli perdre la vie. Dès lors, une force cachée l'oblige à suivre l'enfant triste jusqu'à la pension où des parents indignes vont bientôt l'abandonner ; et il sera amené, par les circonstances et pour la consoler, à se faire passer pour son père et à la faire sortir chaque dimanche...

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08 diciembre 2009

Ernst Lubitsch - The Marriage Circle (1924)

Muda/Silent I Intertìtulos/Intertitles:Castellano/English

85 min I Xvid 544x384 I 1057 kb/s I 80 kb/s cbr mp3 I 25 fps
699 MB + 3% de recuperaciòn/recovery

Estamos en Viena, 1923. El matrimonio formado por el profesor Josef Stock y su mujer, Mizzi, empieza a tambalearse por la rutina diaria. Un día, Mizzi conoce al doctor Franz Braun en un taxi y coquetea con él sin saber que es el esposo de su amiga Charlotte. En uno de sus coqueteos, Mizzi intenta seducirle pero es observada por el socio de Franz, el doctor Gustave Mueller, que está enamorado secretamente de Charlotte. Las sospechas y los deseos van en aumento mientras Josef ha contratado a un detective para recoger pruebas que le permitan un sustancioso divorcio. "Los peligros del flirt" fue la cinta que definió el futuro del realizador alemán. Allí estaban contenidos todos los elementos que habrían de brillar en sus siguientes filmes: la elegancia narrativa, la sensualidad abierta y la sofisticación del absurdo.

Tras la dura experiencia que supone para Ernst Lubitsch el rodaje de Rosita con Mary Pickford, el realizador alemán es contratado por la Warner, en un nuevo intento de la compañía por convertirse en un estudio prestigioso. Sobre un guión de Paul Bern, The Marriage Circle constituye el primero de una serie de cinco films que el director berlinés ha de rodar para esta productora.La película es una comedia erótica llena de sofisticación que, como el mismo Lubitsch reconoce, está marcada por el impacto que ha causado en todos los realizadores del momento, el film de Chaplin Una mujer de París (A Wornan of Paris, 1923). Prescindiendo dela profusión de decorados existentes en la película de Chaplin,Lubitsch da otra vuelta de tuerca en la profundización de la vida de pareja, para mostrarnos su visión cínica y descreída del matrimonio. Presentándonos la unión conyugal como un ciclo de amor inexorablemente aniquilado por el paso del tiempo, Lubitsch lo ilustra con dos ejemplos. Por una parte, la pareja compuesta por Charlotte y Franz, en un estado de enamoramiento mantenido,propio de la escasa duración de su relación y situados en la primera parte del ciclo. Y por otro lado, Josef y Mizzi, la pareja veterana, que han comenzado a dejar atrás la indiferencia mutua para pasar a un estado de aversión no disimulado, característico del ciclo en una fase avanzada y culminación natural del mismo. Con Lubitsch, los actores se muestran exquisitos y logran extraer de la comedia los ricos matices que ella posee, preludiando además, todo el universo sofisticado que el realizador ha de poblar con su sutil toque, en el futuro. La première de la película tiene lugar el Grauman's Rialto de Los Angeles y el estreno en Nueva York se efectúa en el Strand el 3 de febrero de 1924.La respuesta de crítica y público es coincidente y altamente positiva y, aunque no acierten a precisar de que se trata, todos intuyen la existencia de una forma diferente de hacer comedia. (Texto de Luis Enrique Ruiz, tomado del libro Obras maestras del Cine Mudo)

Film nº 16 de Lubitsch. El guión de Paul Bern adapta la comedia "Nur ein traum" (1909), de Lothar Goldschmidt (Lothar Schmidt). Se rueda en los Warner Studios entre octubre y noviembre de 1923. Producido por Lubitsch, se estrena en "première" el 3-II-1924 (EEUU).La acción tiene lugar en Viena en mayo de 1923. El profesor Josef Stock (Menjou) y su mujer Mizzi (Prevost) forman un matrimonio desilusionado y aburrido por la rutina y la monotonía. El doctor Franz Braun (Blue) y su mujer Charlotte (Vidor) forman una pareja feliz e lusionada. El socio de Franz, el doctor Gustav Mueller (Hale) está secrematemente enamorado de Charlotte.El film es una elegante comedia romántica, de costumbres y de enredos, confusiones y malentendidos. Es el segundo trabajo americano del realizador, que se estrena cuando tiene 32 años. La obra cosecha un éxito notable. Es el primero de cinco films contratados por Lubitsch con la Warner. Da un giro a su modo de hacer comedias: deja de lado las farsas europeas para iniciar la etapa de comedias americanas, en las que hace uso de sutilezas, ingenio, inteligencia y picardía. Mueve al espectador a imaginar lo que la pantalla sugiere, oculta o no muestra. Equívocos, sospechas, sueños, falsos supuestos y sobrentendidos, pasan a formar parte fundamental de la relación entre el espectador y la obra. Marca el inicio de las comedias sofisticadas de sutil fondo erótico o "sex comedies".Con humor denuncia la moral puritana y convencional de la sociedad americana. Haciendo uso de la ironía, pone de manifiesto su visión crítica del matrimonio. Realiza un "remake" en clave musical ocho años después ("Una hora contigo", 1932). En el film tienen una gran importancia los objetos: calcetín roto, cuellos de camisa, cajón de medias, espejo individual, ramo de flores, florero, par de copas, etc. Los objetos cumplen funciones simbólicas, de sugerencia o evocación. También tienen gran importancia los deseos soñados o imaginados: desencadenan sentimientos e impulsan la acción.El guión desarrolla un relato entretenido, intimista, mordaz e irónico. Presenta una buena definición de caracteres, en especial de los femeninos. Charlotte es inocente y encantadora, Mizzi es coqueta y apasionada. Buenas interpretaciones de Prevost, Vidor y Menjou.La fotografía, de Charles Van Enger ("El fantasma de la ópera", R. Julian, 1925), se sirve de planos medios, picados, encuadres rápidos y fundidos encadenados. Las imágenes presentan el tinte monocolor del estreno. La música de la edición remasterizada por la W.F. Murnau Stifftung, original de Rodney Sauer, funde temas (valses, polkas...) del momento (1923) en una partitura vibrante de piano, cuerdas y clarinete, interpretada por la Mont Alto Orchestra. Era la comedia preferida de Lubitsch. (Texto de Miquel, tomado de Filmaffinity)Ernst Lubitsch's first American comedy masterpiece, the film that kept him in the States. Reeling from the difficulties encountered on his first American film, "Rosita," Lubitsch was ready to return to his native Germany until Warner Brothers, looking for an identity other than Rin Tin Tin, offered the director a chance to make his own unique films. In "The Marriage Circle," Lubitsch's influential silent comedy effortlessly follows the love and lust, flirtations and phoniness among several upper-crust citizens of Vienna. In Lubitsch's deft hands, "The Marriage Circle" continues the tradition of manners comedy and shows the "touch" the director was famous for. Lubitsch knew that in an atmosphere of hushed whispers and discretion, a kiss can carry quite an erotic charge. To see "The Marriage Circle" in this glistening print derived from the original negative, with an appropriately lilting score by the Mont Alto Orchestra, is to fall in love with the movies--and Ernst Lubitsch--all over again.

"Lubitsch se llevó su secreto con él. Es como el vidrio soplado chino, algo que ya no existe. Alguna vez, busco un truco elegante y me digo: “¿Cómo lo habría hecho Lubitsch?”. Y se me ocurre algo y se parece a Lubitsch, pero no es Lubitsch. Ya no existe." Billy Wilder

"Yo dejo a la audiencia usar su imaginación. ¿Qué puedo hacer si malinterpretan mis sugerencias?" Ernst Lubitsch

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Arsenevich